29 agosto 2019

El desafío de Werther en Lima

La magnífica ópera de Massenet, obra cumbre del romanticismo francés, llega en una extraordinaria producción de la Ópera de Colombia, para abrir la Temporada de Ópera 2019 del Ministerio de Cultura. (Fotos: GTN)
Gran Teatro Nacional, Perú. Werther de Jules Massenet. Jonathan Tetelman, Carol García, Ximena Agurto, Xavier Fernández, Fernando Vizcarra, etc. Coro Nacional de Niños. Dirección: Mónica Canales. Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario. Dirección: Oliver Díaz. Dirección de escena: Alejandro Chacón. Vestuario: Adán Martínez. Escenografía: Nicolás Boni. Iluminación: Caetano Vilela. Dirección General: Javier Súnico.
⭐️⭐️⭐️⭐️
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Jules Massenet se inspiró, junto a los libretistas Milliet, Blau y Hartmann, en la extraordinaria obra homónima de Goethe para componer esta ópera llena de lirismo, intimidad y dramatismo. Aunque su éxito tuvo que darse fuera de Francia para que finalmente llegara a presentarse en París, llegó a convertirse en la obra cumbre de Massenet, además de una de las mas complejas, y hasta podría decirse, "experimentales".
Y es que a diferencia de las otras óperas de su basta producción, que contienen melodías exóticas, o un estilo mas "delicado", Werther es una composición contundente, que no solo presenta una complejidad wagneriana, sino que predice a Debussy en su estilo orgánico y amalgamado, aquel que este produjo con su trascendente "Pelleas". Y es que de Wagner, Massenet aplica los leivmotivs y el protagonismo de la música como un personaje principal, combinado con esa eterialidad y sonido espacial que la orquesta debe manejar a la perfección para producir el efecto deseado, que tiene Debussy.
Mi primer y único Werther a la fecha lo vi una matinée de sábado (que fue transmitida por radio), una helada mañana del 10 de enero del 2004 en la Metropolitan Opera de Nueva York, en una clásica producción de Rudolph Heinrich, con Roberto Alagna y Veselina Kasarova en los protagónicos, junto al legendario Paul Plishka como Le Bailli. La producción fue extraordinaria, tanto cantantes como orquesta, de los mejores del mundo. Sin embargo, ver este Werther esta vez en Lima fue revelador en cómo una ópera así puede sonar de lo más natural en una orquesta de ópera de primer orden, y en una que enfrenta esta partitura por primera vez. En este sentido, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario se enfrentó por todos los frentes con una partitura colosal, que bajo la batuta del director del Teatro de la Zarzuela de Madrid, Oliver Díaz, supo hacerle justicia en ciertos momentos, tanto en tamaño y brillo, aunque no termina de cuajar del todo en su interpretación como uno de los personaje mas importante de la ópera, debido precisamente a que esta no es una orquesta de ópera. A su favor tienen el esfuerzo y el saber que otro elenco adulto local no hubiera logrado ese resultado.
A diferencia de aquel Werther del 2004, una producción de los 70s, ambientada en la época de Goethe, (1780 en adelante), y que tenía todos los elementos físicos que remiten a la época, esta producción de Lima, a cargo del trio Chacón-Martínez-Boni, presenta varios retos.
La última vez que estos tres artistas trabajaron juntos en Lima fue en 2012 en la legendaria producción de "Don Carlo" de Verdi, que el Festival Granda presentó en el Teatro Municipal, en una producción magnífica estelarizada por Giuseppe Filianoti, Ildar Abdrazakov, Daniela Barcellona, Marco Spotti, Marco Caria y otros grandes artistas. Aquella puesta fue muy similar a esta de Werther en minimalismo y simbolismo en su estructura.
Esta producción original de la Ópera de Colombia y que también se ha visto en el Solís de Montevideo, no muestra ningún elemento de época, solo grandes tablas pintadas que forman las escenas, con los textos escritos a mano y extraídos del libro de Goethe, precisamente las cartas que se refieren al tiempo en que transcurre la ópera, entre mayo, julio y diciembre de 1780. Por ende, la puesta nos envuelve del todo en la literatura de la obra. La realización de Nicolás Boni es como siempre muy estilizada. El extraordinario vestuario de Adán Martínez (QEPD) nos remite a la época original, sin embargo este minimalismo y el carácter propio de la ópera, suponen un reto para el regista Alejandro Chacón, para que sus protagonistas transmitan toda la emoción e intención de sus personajes, que no siempre se hace obvio a través de la música, y que debe enganchar al espectador en la primera parte de la ópera,  para llevarlo efectivamente hasta el clímax del desenlace.

La historia narra el enamoramiento y posterior obsesión de Werther con la joven Charlotte, prometida a su gran amigo Albert. A través de la poesía, se lamenta de su destino y la historia se vuelve cada vez mas obsesiva hasta el trágico final, todo esto dentro del contexto de la preparación para la Navidad con Villancicos infantiles, y la creciente tensión por los celos de Albert sobre la obsesión de Werther sobre su esposa y su duda sobre los sentimientos de ella. Uno de los giros originales de esta versión de Chacón, es la presencia de Albert al final del acto, con semblante amenazador, dejando el final abierto en si el tomará venganza sobre su esposa o quizá habría una reconciliación.
Esta ópera debe tener cantantes y actores extraordinarios. En esta producción tuvimos la suerte de contar con el extraordinario tenor Jonathan Tetelman, una joven figura que ya recibe excelentes críticas e inicia su carrera en los grandes teatros. Su presencia sobre el escenario es difícil no compararla al joven Jonas Kaufmann de los 2000s, justo antes de ser la superestrella de hoy, con una voz en la transición del repertorio ligero al lírico-dramático. La oscuridad de la voz, correcta pronunciación, presencia, y hasta el volumen de la voz me resultaron muy parecidos. Por supuesto que el resultado de este tenor, que interpretará importantes roles en Londres, Montpellier, Buenos Aires, Turín y Moscú, estuvo a la altura del difícil rol, especialmente en sus monólogos del segundo acto, su gran escena recitando el poema de Ossian en el tercero, y a mezzavoce en una gran rendición del cuarto.
La mezzosoprano española Carol García interpreta a Charlotte, una inocente muchacha comprometida a un hombre mayor, que debe cuidar de su familia y a la vez, sufrir en silencio amando a quien no puede tener. Su personaje va creciendo, en desarrollo dramático, desde un discreto ingreso en el primer acto, su interacción en la escena de medianoche con Werther, hacia su impresionante tercer acto, en el cual la voz crece hasta llenar el teatro con dramatismo puro y gran oficio.
Sería injusto seguir hablando de la soprano peruana Ximena Agurto como una joven voz en ascenso ya que ella vuelve a nuestro primer escenario convertida en una cantante consagrada con gran experiencia internacional, dando vida al personaje de Sophie, la inocente e ingenua hermana de Charlotte. Ella da el contrapeso a los personajes femeninos. Su voz lírica luce muy ubicada, la experiencia la demuestra en una interpretación interiorizada, incluso en una excelente interpretación que rompe el hielo del drama de Charlotte en el tercer acto, con una bella coloratura y contundente voz.
Otro gran resultado lo da el barítono Xavier Fernández como Albert, el esposo de Charlotte que se convierte durante la obra de un hombre bondadoso en uno desconfiado y vengativo. Su interpretación le da consistencia al personaje.
La interpretación de Le Bailli de Fernando Vizcarra resulta poco preparada, teniendo en cuenta que este es un rol breve pero importante, que comúnmente es reservado a los grandes bajos en su últimos años de carrera, por lo que debería ser mas imponente. Entre los roles secundarios destaca la bella voz ligera del tenor Juan Pablo Marcos. Dieron una correcta interpretación, aunque pueden mejorar lo escénico y la pronunciación del francés.
El Coro Nacional de Niños tiene una participación importante y da buen resultado al inicio y final de la ópera.

Este "Werther" es un reto para nuestro público, ya que a pesar de su popularidad internacional, no es el tipo de ópera que se hace comúnmente en nuestro país. La exigencia al público es mayor y este buen montaje logra gustar. Es importante notar el desarrollo de nuestros cantantes locales, que se ven cada vez mas  preparados y con nivel internacional. El tener una temporada de ópera verdaderamente nacional que coordine y traiga producciones de los teatros de la región y produzca las propias para exportar (El caso de "Alzira") y nos permita entrar de lleno en el circuito internacional, es la culminación de un trabajo arduo que debe continuar. Ojalá esto haga posible que en el futuro veamos óperas más exigentes. Me animaría a proponer óperas tempranas y corales de Verdi como Il Corsaro o I Lombardi, trayendo a voces peruanas que están dando frutos en el exterior, como la del tenor Iván Ayón que canta hoy en primeros teatros, o la mezzo Jimena Llanos, con amplia experiencia en Europa. Alguna del repertorio lírico que pueda protagonizar Ximena Agurto, o algunos títulos que bien podrían montarse, como Fidelio, o Ariadne auf Naxos. Eso dependerá del público y de su interés en conocer obras nuevas, y su respuesta en la taquilla.

13 agosto 2019

Werther en Temporada de Ópera de Lima

Ópera de Colombia
Serán cuatro únicas funciones de "Werther" los días 23, 25, 27 y 29 de agosto, con importantes solistas peruanos y extranjeros, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario y el Coro Nacional de Niños.
(Difusión) En el marco de su Temporada de Ópera 2019, el Ministerio de Cultura de Perú anuncia la obra “Werther” de Jules Massenet, basada en la novela “Los sufrimientos del joven Werther” del escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe. La producción ha sido programada para los días 23, 27 y 29 de agosto, a las 8:00 de la noche, y el domingo 25 a las 5:30 p.m. en el Gran Teatro Nacional.
El drama lírico contará con la dirección musical del español Oliver Díaz, la dirección escénica del argentino Alejandro Chacón en una producción hecha originalmente en la Ópera de Colombia, y un reparto integrado por el tenor estadounidense Jonathan Tetelman (Werther), la mezzosoprano española Carol García (Charlotte), la soprano Ximena Agurto (Sophie) y el barítono Xavier Fernández (Albert). La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario y el Coro Nacional de Niños.
Con libretos en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, “Werther” enfoca los conflictos sentimentales de un melancólico caballero que se enamora de una hermosa joven comprometida en matrimonio con otro hombre. Desesperado por los rechazos y abatido por la nostalgia, el protagonista asumirá peligrosas acciones que originarán una tragedia.
Las localidades para “Werther” cuestan de 15 a 100 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. Se adiciona un descuento del 50% para menores de 17 años, estudiantes universitarios y de institutos superiores, mayores de 60, docentes de instituciones educativas públicas, miembros del Servicio Militar Voluntario y afiliados al CONADIS.

12 agosto 2019

Sinfónica de Arequipa en Lima

Gran Teatro Nacional celebra el 479º aniversario de Arequipa con la gala “Carnaval". 
(Difusión) Concierto a cargo de la Orquesta Sinfónica de Arequipa, elenco que cumple 80  años de vida institucional, se realizará el miércoles 14 de agosto, a las 8:00 de la noche.
El Ministerio de Cultura rendirá un homenaje a Arequipa por su 479º aniversario de fundación presentando la gala “Carnaval”, este miércoles 14 de agosto, a las 8:00 de la noche, en el Gran Teatro Nacional. El concierto contará con la participación de la Orquesta Sinfónica de Arequipa, agrupación dirigida por el maestro Enrique Victoria Obando, que celebra también sus 80 años de creación.
Considerada como la primera compañía musical de la Ciudad Blanca y una de las más importantes del Perú, la Orquesta Sinfónica de Arequipa interpretará en Lima un repertorio que incluye Luz y Sombra de Luis Duncker Lavalle y las emblemáticas piezas Melgar y Carnaval de Arequipa del insigne compositor Benigno Ballón Farfán, además de la Sinfonía Nº 9 Op. 95 de Antonín Dvořák.
El 23 de mayo de 1939 se fundó la Asociación Orquestal de Arequipa, bajo la batuta de Armando Maristani Céspedes. El 4 de mayo de 1963 adquirió el nombre oficial de
Orquesta Sinfónica de Arequipa, administrada hoy por la Dirección Desconcentrada de Cultura de Arequipa. Entre sus principales directores figuran Aurelio Díaz Espinoza, Alexander Koseleff, Antón Rocco Guadagno, Mario La Canna, Francisco Ruso, Jorge Delgado, Manuel Castro Basulto, Augusto Vera Béjar, Víctor Rivadeneyra, Stephen Ellery, el coreano Siu Jan, Dante Valdez Ortiz, Zoila Vega Salvatierra, Javier Ramos y Pablo Sabat.
Sus producciones discográficas “Alma Arequipeña” y “Música Puneña” causaron un fuerte impacto en el público sureño al incluir un compilado de piezas sinfónicas clásicas, contemporáneas y tradicionales. La orquesta ha recibido importantes condecoraciones como la Medalla de la Cultura y ha tocado en escenarios de Moquegua, Puno y Tacna.
El director artístico, Enrique Felipe Victoria Obando, es hijo del célebre cantante lírico
Amilcar Victoria. Posee una licenciatura en “Música con concentración en violín performance” del Conservatorio de Puerto Rico y fue discípulo de Henry Hutchinson. Asimismo, hizo un posgrado en la Universidad de Nuevo México y maestrías en “Música con concentración en Dirección de Orquesta” y “Música con concentración en viola performance”.
Enrique Victoria ha participado con éxito en el Stony Brook Summer Music Festival, Killington Music Festival, Apple Hill Center of Chamber Music (USA), Festival of the Youth Orchestras of the Americas (Puerto Rico) y Festival Internazionale della Cultura (Italia). Del 2009 al 2015 integró la Orquesta de la Américas (YOA) realizando giras por Estados Unidos, Canadá, Sudamérica, Centroamérica, el Caribe, México y China.
Las entradas cuestan de 15 a 50 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del teatro. Descuento adicional del 50% para menores de 17 años, estudiantes universitarios y de institutos superiores, mayores de 60, docentes de instituciones educativas públicas, miembros del Servicio Militar Voluntario y afiliados al CONADIS.

07 agosto 2019

Attaca Quartet de vuelta en lima

El cuarteto integrado por Amy Schroeder, Alex Fortes, Nathan Schram y Andrew Yoo, se presentará este jueves en el Auditorio Santa Úrsula y el sábado 10 en la Pinacoteca del Monasterio de Santa Catalina en Arequipa. (Foto:SFL)

(Difusión) Elogiado por la revista The Strad como una agrupación “impresionante” y por poseer “una madurez musical muy por encima de la edad de sus integrantes”, el cuarteto celebra este año su 15ª temporada. Desde conciertos con entradas agotadas en el Carnegie Hall o Radio City Music en Nueva York, el Attacca celebra y comparte la belleza atemporal de este arte sublime de repertorio para cuarteto de cuerdas. Ganadores del Primer Premio del 7º Osaka International Chamber Music Competition, Listener´s Choice Awards, Primer Premio del Melbourne International Chamber Music Competition y ganadores del Gran Premio de la 60ª Colemann Chamber Ensemble Competition, el Attacca Quartet ha recibido el reconocimiento internacional de la prensa y el público, convirtiéndolos en una de las principales agrupaciones musicales jóvenes de los Estados Unidos. Ha sido Cuarteto Residente del Programa de Doctorado de la Juilliard School, Cuarteto Residente del Metropolitan Museum of Art, y Cuarteto Residente de la Texas State University.
Recientemente el conjunto completó The 6 un proyecto de seis años en Nueva York donde ejecutaron todos los cuartetos de Franz Josep Haydn. Actualmente están produciendo dos nuevos ciclos de conciertos en Nueva York: Recently Added en el teatro National Sawdust en Brooklyn donde ofrecen obras para cuarteto de compositores vivos, y Based on Beethoven, un proyecto que juxtapone todos los cuartetos de Beethoven y nuevas obras del ciclo Recently Added. Ha lanzado tres álbumes con Azica Records: Fellow Traveller: Cuartetos de cuerda de John Adams; Las últimas siete palabras de Cristo, de Franz Joseph Haydn (con arreglos de Andrew Yee, viola del cuarteto) y Songlines: Cuartetos de Michael Ippolito. Ha tocado en principales ciclos de conciertos a través de Norte América, América Latina, Asia y Europa. En 2014 tocaron con la Orquesta Nacional de España en el ciclo Carta Abierta a John Adams, bajo la batuta del compositor y ofrecieron un recital en el Auditorio Nacional de Música. Han tocado en principales ciclos de conciertos en España y regresan en 2018 para tocar con la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya la obra Jest del compositor John Adams dirigida por él, ofrecen un recital en al Palau de la Música Catalá. Sus integrantes se conocieron en la Juilliard School. Actualmente, el cuarteto está conformado por Amy Schroeder y Alex Fortes en los violines, Nathan Schram en la viola y Andrew Yee en el violonchelo.
Las entradas están a la venta en Teleticket.
PROGRAMA

JOSEPH HAYDN
Cuarteto en re mayor op. 71 Nº 2
FELIX MENDELSSOHN
Cuarteto de cuerdas en la menor op. 13
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Cuarteto de cuerdas Nº 12, en mi bemol mayor, op. 127

19 julio 2019

Zubin Mehta en Lima en gira de despedida

Foto: Oded Antman

(Difusión SFL) Del lunes 22 al miércoles 31 de julio la legendaria Orquesta Filarmónica de Israel desarrollará la gira de despedida del renombrado director de origen indio Zubin Mehta. Lima es el primer punto de la gira que comprende cuatro países: Perú, Colombia, Panamá y Argentina donde ofrecerá siete conciertos. El maestro de 83 años se despide así de la dirección musical de la Orquesta Filarmónica de Israel al cumplir cinco décadas al frente de esta prestigiosa agrupación.
Con este único concierto en Lima presentado por la Sociedad Filarmónica se inicia el Ciclo Sinfónico 2019 de nuestra institución en el Gran Teatro Nacional donde se presentarán en los siguientes meses la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, la Orquesta Filarmónica de Eslovenia y Jordi Savall quien con su conjunto rendirá homenaje al 25 aniversario del filme francés “Tous les matins du monde” con música de: Jean-Baptiste Lully, Eustache du Caurroy, Monsieur de Sainte-Colombe, Marin Marais, François Couperin, Jean-Philippe Rameau, Monsieur de Machy y Jean-Baptiste Forqueray.
Zubin Mehta nació en 1936 en Bombay y creció en un ambiente musical por excelencia. Su padre, Mehli Mehta, fue un destacado violinista, fundador de la Orquesta Sinfónica de Bombay y director musical de la American Youth Symphony de Los Angeles. Tras un breve período de estudios en medicina en la India, decidió abandonarlo para asistir a la Academia de Música de Viena. Siete años después, ya estaba dirigiendo las orquestas filarmónicas de Viena y Berlín. Rápidamente se convirtió en uno de los directores de orquesta más solicitados, asumiendo cargos como Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Montreal (1961-67), Orquesta Filarmónica de Los Angeles (1962-78), Orquesta Filarmónica de Nueva York (1978-91) y Bavarian State Opera (1998-2006). En 1969 fue designado Asesor Musical de la Orquesta Filarmónica de Israel y fue promovido a Director Musical de la orquesta en 1977. En 1981 esa institución le otorgó el título de Director Musical vitalicio.
Si consideramos conciertos, grabaciones y giras, Zubin Mehta ha dirigido a la Filarmónica de Israel en miles de presentaciones a lo largo de los cinco continentes. Desde 1985, ha sido también Director Principal de la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino de Italia, convirtiéndose en 2006 en  Director Honorario vitalicio.
Zubin Mehta ha recibido una infinidad de premios y distinciones, entre los que destacan el Premio Kennedy, el más alto honor otorgado por el gobierno de Estados Unidos anualmente a cinco artistas escénicos de diferentes disciplinas, por su contribución a las artes escénicas en la cultura estadounidense; el Tagore Award for Cultural Harmony de la India, la Medalla de la Distinción, otorgada por el presidente israelí Shimon Peres; el Praemium Imperiale otorgado por la Familia Imperial Japonesa;  Doctor Honorario de las universidades de Tel Aviv  y del Weizmann Institute. Es ciudadano honorario tanto de Florencia como de Tel Aviv y miembro honorario de la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera y el Gesellschaft der Musikfreunde Wien. En 2006 se publicó en Alemania e Israel su autobiografía, Die Partitur meines Leben: Erinnerungen (The Score of my Life: Memories). Continúa apoyando el descubrimiento y la promoción de talentos musicales en todo el mundo. Junto con su hermano Zarin, co-preside de la Fundación de Música Mehli Mehta en Bombay, donde más de 200 niños se educan en música clásica occidental.
La Orquesta Filarmónica de Israel fue fundada en 1936 por el violinista Bronislaw Huberman, y su concierto inaugural, dirigido por Arturo Toscanini, se realizó el 26 de diciembre de 1936. Ofrece conciertos como parte de sus series de suscripción en Tel Aviv, Jerusalén y Haifa, así como en conciertos especiales y en varias series de conciertos en todo Israel. La orquesta recorre los centros culturales y festivales más prestigiosos del mundo. Los artistas creadores de Israel son promovidos a través de muchos estrenos de la orquesta de obras de compositores israelíes. La orquesta ha contribuido a la absorción de nuevos inmigrantes e incluye en sus filas a nuevos músicos inmigrantes. Asimismo, ha recibido a los mejores directores y solistas del mundo, así como a jóvenes talentos de Israel y de distintas partes del mundo. Como parte del KeyNote, el programa de educación y divulgación musical de la orquesta, los músicos de la orquesta se presentan en numerosas escuelas y ofrecen conciertos para alumnos en el auditorio Charles Bronfman en Tel AvivEn 1969, el Maestro Zubin Mehta fue nombrado Asesor Musical de la orquesta y en 1977 se convirtió en su Director Musical. Leonard Bernstein (1918-1990) fue nombrado Director Laureado, en 1988; en 1992, Kurt Masur (1927-2015) fue nombrado Director Honorario Invitado y, desde 2011, Gianandrea Noseda ha ocupado el cargo de Director Invitado Principal.
Guy Eshed, flautista principal de la Orquesta Filarmónica de Israel, ocupó la misma posición en la Orquesta Maggio Musicale Fiorentino, Berlin Staatskapelle, la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca y la Camerata de Manchester. También es flautista principal de la Orquesta West-Eastern Divan. Muy solicitado como músico de orquesta, ha tocado como flautista principal invitado de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta de Cámara de Mahler, la Filarmónica de Londres, la Sinfónica de Bamberg, la Filarmónica de Rotterdam y la Orquesta de La Scala. Como solista, se ha presentado en Israel y Europa, incluyendo los festivales de Salzburgo y Lucerna. Guy Eshed es un entusiasta músico de cámara y, además de su trabajo y grabaciones como miembro fundador del Ensemble 360, ha participado en importantes festivales y ha tocado con prestigiosos artistas como Daniel Barenboim, Kirill Gerstein, Elena Bashkirova, Guy Braunstein y los Solistas Filarmónicos de Berlín. Ha grabado para la BBC, así como para la radio israelí, alemana y sueca, y ha lanzado cuatro discos. Ganador de las beca de la Fundación América-Israel, obtuvo una beca a la excelencia de la Fundación Töpfer, en Hamburgo.
Entradas para este y todos los conciertos de la Sociedad Filarmónica de Lima en  Teleticket de Wong y MetroTarifas especiales para estudiantes, docentes, adultos
PROGRAMA
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Sinfonía Nº 6 en fa mayor, op. 68 “Sinfonía Pastoral“
CARL REINECKE
Concierto para flauta y orquesta en re mayor, op. 283
MAURICE RAVEL
La Valse

05 julio 2019

Al encuentro de músicos peruanos

SFL Difusión
(Difusión) Como parte de su ciclo “Al encuentro de músicos peruanos”, la Sociedad Filarmónica de Lima anuncia la presentación de la Orquesta de Cámara Nueva Lima Clásica, conformada por jóvenes músicos peruanos y extranjeros, bajo la dirección artística del violinista y director de orquesta holandés Marnix Willem Steffen. Este concierto se llevará a cabo el martes 9 de julio a las 7:45 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula, y contará con la participación especial como solista del violinista Hugo Arias. 
La asociación Nueva Lima Clásica fue fundada en el 2014 para promover la música de cámara en Lima y servir de plataforma a jóvenes y experimentados músicos que radican en nuestro país. En 2017 recibió el reconocimiento especial de la Comunidad Andina por su programación de la música de cámara y el valioso aporte en su difusión.

Su director, el violinista holandés Marnix Willem Steffen, llegó a Lima en 2011 como nuevo Director Titular de la Orquesta Ciudad de los Reyes y director invitado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Perú. Completó la Maestría en Música en el Conservatorio Superior de Música de Rotterdam (CODARTS). Inició su carrera como director tras ser galardonado en el famoso Concurso para Directores de Orquesta de Cadaquès, donde obtuvo recomendaciones especiales de Sir Neville Marriner.

Ha sido Director Titular de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música de Perú y ha trabajado como profesor en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y en el Colegio Peruano Alemán Alexander Von Humboldt. Actualmente es Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de San Borja y de Nueva Lima Clásica.

Hugo Arias inició sus estudios con su padre, quien se desempeñó como primer violín de la Orquesta Sinfónica del Perú. Posteriormente, continuó en el Conservatorio Nacional de Música con los maestros Armando Guevara Ochoa y Juan Gonzales Madrid.

Viajó a Alemania a seguir estudios superiores con el prestigioso maestro Valery Klimov en la Escuela Superior de música de Saarbrukcen, dando muchos recitales por todo Alemania organizado por la Escuela Waldorf. Su impecable carrera lo llevó hacer solista en muchas orquestas de Latinoamérica, Europa, India y Singapur. Sin duda sus actuaciones más destacadas fueron con la Sinfónica del Valle, Filarmónica de Bogotá, Filarmónica de Lima, Filarmónica de Santiago de Chile y la Orquesta Sinfónica del Perú.
Orquesta de Cámara Nueva Lima Clásica
IX Concierto – Temporada de Abono
Martes 9 de julio, 7:45 p.m. 
Auditorio Santa Úrsula (Av. Santo Toribio 150, San Isidro)

Programa:
Félix Mendelssohn: Sinfonía Nº 10 en si menor
Johann Sebastian Bach: Concierto para violín y orquesta en re menor
Enric Morera: Andante Religioso
Edvard Grieg: Suite Holberg

Entradas: En Teleticket de Wong y MetroTarifas especiales para estudiantes, docentes, adultos mayores y adultos jóvenes.

12 junio 2019

Elïna Garanča por primera vez en Lima

Una de las estrellas mas importantes de la lírica de hoy llega por primera vez a Sudamérica y se presentará en Lima el 27 de junio. (© Gregory Hohenberg. DG).
(Difusión) TQ Producciones y la Universidad Alas Peruanas presentarán a la mezzosoprano ELÏNA GARANČA, una de las primeras figuras de la lírica mundial de hoy, que llega por primera vez a Lima para dar un concierto con las mas famosas arias de ópera, romanzas de zarzuela y canciones que la han consagrado como una de las artistas mas requeridas en los teatros mas importantes. 
Ella ha inaugurado la temporada de la Metropolitan Opera, y a sido estrella protagonista en Covent Garden en Londres, Ópera de Paris, Scala de Milán, Festival de Salzburgo, y las más prestigiosas salas, agotando localidades. 
Elīna Garanča nació en una familia musical en Riga, Letonia. Estudió en la Academia de Música de Letonia con su madre. Ganó la competencia de canto Mirjam Helin en 1999 y fue finalista en la competencia internacional “BBC Cardiff Singer of the World” en 2001. Garanča es una artista exclusiva de Deutsche Grammophon y desde entonces ha ganado 4 premios ECHO Klassik, el “Oscar” de la música clásica, como 'Cantante del año' en 2007, 'Vocalista del año' en 2010 y 'Grabación en solitario del año' en 2012 por su álbum “Romantique” y más recientemente en 2015 por el álbum “Meditation”. Su álbum mas reciente “Sol y Vida", se lanza en 2019 y contiene romanzas de zarzuela, canciones como “Gracias a la Vida” “El día que me quieras, “Brazil”, “Lela”, “Granada” y “La llorona”, y canciones napolitanas.
Entre otros papeles, es particularmente famosa por su interpretación de la ópera “Carmen” de Bizet, que ha cantado tanto en la Royal Opera House Covent Garden como en Metropolitan Opera con gran éxito; El NY Times la nombró la mejor Carmen en 25 años. Elïna Garanča participa regularmente en la Ópera Estatal de Viena, La Metropolitan Opera de Nueva York, Royal Opera House Covent Garden de Londres, Festival de Salzburgo, Festival de Baden-Baden, Ópera Estatal de Baviera de Múnich y la Deutsche Oper de Berlin y presentándose en conciertos, festivales y recitales, en los que llega a miles de personas, y través de transmisiones en vivo por televisión y cine alrededor del mundo.
 Garanča, aunque es letona, lleva en la sangre el alma latina y de la zarzuela, por lo que es una de las famosas intérpretes no españolas de este género. Su nuevo álbum está enfocado en música italiana y latinoamericana, con clásicos como “Granada”, “No puede ser”, “El día que me quieras”, "Brazil", "Gracias a la Vida", y canciones napolitanas, como "Core´ngrato", "Torna a Surriento", "Non ti Scordar Di Me", "Musica Proibita", y otras.
Su atractiva imagen y seductora voz hipnotizarán al espectador en una inolvidable presentación junto a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, y la dirección de CONSTANTINE ORBELIAN, el 27 de junio en el Gran Teatro Nacional. En este concierto, interpretará arias de las grandes óperas de su repertorio, como "Cavalleria Rusticana", "Adriana Lecouvreur", "Samson et Dalila", "Carmen", y romanzas de zarzuela. 
Las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.

06 mayo 2019

Reivindicando a Rossini

El Festival Granda vuelve a poner en escena "El barbero de Sevilla", esta vez en una versión crítica del Festival de Pesaro, pocas veces vista en este hemisferio. (Fotos: Festival Granda)
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
5/5 ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️
El Festival Internacional de Ópera "Alejandro Granda" lleva doce años trayendo a nuestra ciudad títulos poco difundidos y con artistas de talla internacional. Muchas veces la falta de apoyo de auspiciadores e interés del público por descubrir títulos diferentes hace que estos proyectos sufran dificultades, por lo que es inevitable volver a los "clásicos" para garantizar un éxito en la taquilla.
Este parecería ser la nueva etapa del Festival, el que en los últimos años ha presentado títulos populares como "Traviata" "Tosca" y este año "El barbero de Sevilla". Sin embargo ahora podríamos hablar de un Festival Granda "reinventado" o que se conduce en otra dirección.
Que quiero decir con eso? En que el Festival depende básicamente de las labores de Ernesto Palacio, su director artístico. En su primera etapa, Ernesto era manager de las grandes estrellas de la lírica que llegaron a Lima para debutar roles que pronto harían en los grandes teatros. Esto nos dio gratas satisfacciones con óperas como "Rigoletto", "Attila", "Don Carlo", "Guillermo Tell", Romeo y Julieta", entre otras. Hoy que Palacio dirige el Festival de Ópera Rossini de Pesaro, y además la Academia Rossiniana, le permite traer al Festival ese trabajo que se realiza allí, con la dedicación y estudio sobre la obra del compositor que en 2018 cumplió 150 años de fallecido.
Es por eso que este año no solo vimos una obra popular y muy conocida, "El barbero de Sevilla", por primera vez en el Gran Teatro Nacional, sino que pudimos disfrutar de una versión "crítica", con todos sus cortes y con el mas detallado estilo que se presenta en el Festival de Pesaro. Por eso resulta novedoso e interesante escucharla en jóvenes cantantes que han estudiado este nuevo tratamiento del estilo.
A diferencia de la vez anterior en que el Festival presento "Barbiere" en Lima, en el Teatro Municipal en 2011, con estrellas como Ruggiero Raimondi y Juan Diego Flórez, esta versión llega en un momento en que el Festival encuentra madurez y permite, gracias a los recursos del GTN y artísticos locales, de lograr producciones con mayor calidad en todos sus aspectos.
Siempre he sido muy exigente en las producciones locales, y esta es una de las muy pocas en que todos los factores han dado resultados satisfactorios. Desde la puesta en escena de Lev Pugliese, que ha diferencia de su producción de "Tosca" basada en proyecciones, esta vez presenta una escenografía tradicional y con mucho detalle, de una Sevilla que por momentos parece "arábiga" por el detalle de sus escenarios, y el ambiente de "Harem" de la casa de Don Bartolo. La escenografía no solo lucía elegante y completa, sino que permitió, como pocas veces hemos visto, proyectar las voces de los cantantes de la mejor manera al público. La dirección escénica es correcta, aunque por momentos es algo agotador ver a los cantantes interpretar sus arias parados en el centro del escenario, eso mejora con los duos, trios y concertantes.
Los solistas no son las estrellas que solíamos ver en el Festival, pero si competentes cantantes del Festival que destacan en el estilo rossiniano a nivel internacional. 
Lo primero que uno percibe es la dinámica, ligereza y color en la música desde la obertura. La Orquesta Academia Sinfonía por el Perú, a cargo de Hugo Carrio y dirigida en esta producción por el mexicano Iván López Reynoso se consagra como la orquesta de ópera mas eficiente de nuestro país, con una musicalidad de alto nivel internacional, sonido parejo, cambios perfectos de tiempos, volúmenes y brillantez en el sonido. El estilo y versión de López Reynoso es de destacar con un estilo rossiniano exquisito. Cabe destacar el excelente desempeño entre orquesta y cantantes, especialmente en los difíciles concertantes de la ópera.

Impresionante la voz del joven tenor italiano Pietro Adaìni. Ágil coloratura, potencia estupenda y versatilidad escénica. Un gran Almaviva que brilló en todo momento. Cada agudo suyo partía en dos a la platea, y su versión del aria final "Cessa di piú resistere" fue infalible a todo nivel. El barítono Gurgen Baveyan, en el rol protagónico de Figaro, mostró estilo y frescura con una voz ligera, menos potente que la del resto pero mas "mozartiana" si la podemos llamar de alguna manera, algo así como los barítonos de los tiempos de Rossini habrían sonado, y no como los dramáticos a los que estamos acostumbrados en grabaciones y puestas tradicionales. Los aplausos en mi opinión se los lleva el barítono Pablo Ruiz como Bartolo, con mucho oficio, una voz potente, pastosa, directa, presencia heróica y sentido humorístico, algo que rompe nuestra percepción de su personaje, al que estábamos acostumbrados a ver como muy feo, casi deforme, muy viejo y malgeniado. Esta versión mucho mas sofisticada de Bartolo debería hacer dudar a Rosina por qué pretendiente decidir. La voz del bajo Marko Mimica, el cantante con mas trayectoria internacional del elenco, sonó poderosa y llenando el teatro de ida y vuelta. Su basilio, casi siempre llevado en silla de ruedas, era mucho mas discreto que el resto y dio cátedra con un canto perfecto. Ojalá podamos verlo por aquí en roles mas intensos como el de Wurm, Giorgio o Padre guardiano. La mezzosoprano Chiara Amarù posee una voz deslumbrante, mejor posicionada en los agudos que en los graves, pero con una coloratura estupenda y convincente interpretación, que hizo cómplice al público y se lo metió al bolsillo desde su entrada, con el aria "Una voce poco fa". Cabe destacar los adornos y colores que cada uno de ellos interpretó en esta versión de la ópera, muy fresca y ágil, y no hizo sentir sus casi tres horas de duración.
El reparto se completó con una adecuada versión de Bertha por la soprano venezolana Dorian Lefebre, una potente y destacada voz del barítono Paolo Campos y una discreta intervención del bajo Alfonso Orbegoso. 
Los pocos miembros que requiere esta ópera de oficiales de policía provinieron de las voces masculinas del Coro Nacional del Perú que dirige Javier Súnico. Ellos demostraron su gran oficio como uno de los mejores coros de Sudamérica con gran resultado musical.

Queda una función de este delicioso barbero que musicalmente es bien logrado y como puesta en escena nos trae la reivindicación mas exquisita de Rossini a Lima.
Mas información en www.festivalgranda.com 

25 abril 2019

Sociedad Filarmónica de Lima inicia temporada 2019


(Difusión) Este año la centenaria Sociedad Filarmónica de Lima inicia sus actividades con la tradicional Temporada de Abono en el Auditorio Santa Ursula privilegiando la música de cámara a través de solistas, dúos, tríos, cuartetos y ensembles. La Temporada de Abono se realizará del 27 de abril al 21 de noviembre en el Auditorio Santa Úrsula, consta de 19 conciertos y el primero está a cargo de la prestigiosa Venice Baroque Orchestra una de las más importantes orquestas de música barroca quien viene esta vez con el prestigioso violinista italiano Giuliano Carmignola como solista. En este escenario podremos apreciar también a Il Gardellino,  Kiev Virtuosi, Orchestre D’Auvergne, Ensemble Notturna, Orquesta Arte del Mundo y solistas como Avi Avital,  Domenico Codispoti, Pablo Amorós, Isabel Villanueva, François Dumont, entre otros.
Orquesta Barroca de Venecia
Reconocida como una de las mejores agrupaciones de música antigua. La VBO, fundada en 1997 por el clavecinista barroco Andrea Marçon, ha recibido los mejores elogios y críticas por sus conciertos a través de Europa, Norteamérica, Sudamérica, Japón, Corea, Taiwán y China; y es la orquesta barroca que ha actuado en más ciudades norteamericanas que cualquier otra formación de este género.
Comprometida con el redescubrimiento de obras maestras de los siglos XVII y XVIII, la VBO ha estrenado, bajo la dirección de Andrea Marçon,  versiones modernas de L’Orione (Cavalli), Atenaide Andromeda liberata (Vivaldi), La morte d’ Adone Il trionfo della poesia e della musica (Marcello) y La Clementina (Boccherini). En colaboración con el Teatro La Fenice de Venecia, han llevado a escena L’Olimpiade (Cimarosa), Siroe (Händel) y L’Olimpiade (Galuppi), y repitió Siroe en la Academia de Música de Brooklyn en Nueva York, en su primera puesta en escena en los Estados Unidos.
Lo más destacado de la temporada 2018 incluyó dos giras con el contratenor Franco Fagioli, con conciertos en Londres, Ljubljana, Versalles y Japón. La gira anual de la orquesta por los EEUU incluyó a la flautista Anna Fusek. Algunas de sus más recientes presentaciones se dieron en el Festival Enescu con la mezzosoprano Magdalena Kožená, con el arpista Xavier de Maistre y con el mandolinista Avi Avital.
La temporada 2016-17 incluyó presentaciones del oratorio Juditha triumphans de Vivaldi en el Carnegie Hall, el Centro Krannert de la Universidad de Illinois, el Barbican Centre de Londres y en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas; además de actuaciones con la violinista Viktoria Mullova en Viena y Budapest; una gira por 18 ciudades de los Estados Unidos con el violinista Nicola Benedetti y finalmente una gira a Japón con Avi Avital.
Otros aspectos que  destacan en la trayectoria reciente de esta agrupación son las giras por Europa, Estados Unidos y Asia con el contratenor Philippe Jaroussky; conciertos con la contralto Marie-Nicole Lemieux en Francia y Bélgica; conciertos con Avi Avital en Italia, Croacia, Alemania, España, Francia, México, Estados Unidos y Canadá; actuaciones en la Frauenkirche de Dresde con la soprano Karina Gauvin; y una gira con la mezzosoprano Magdalena Kožená. En 2010, el VBO estrenó junto al violinista Robert McDuffie el concierto para violín Las cuatro estaciones americanas del compositor contemporáneo Philip Glass, realizando una gira por 28 ciudades de los Estados Unidos.
La orquesta cuenta con una extensa discografía en la que destacan los Conciertos de Vivaldi con Avi Avital para Deutsche Grammophon; las arias de Porpora con Philippe Jaroussky para el sello Erato, grabación que recibió una nominación al Grammy; y un pasticcio de L’Olimpiade de Metastasio para el sello Naïve, que fue galardonado con el premio Choc du Monde de la Musique.
Giuliano Carmignola
Este reconocido violinista italiano nació en Treviso y comenzó sus estudios con su padre, los continuó con Luigi Ferro y más tarde con Nathan Milstein y Franco Gulli en la Accademia Chigiana y con Henryk Szeryng en el prestigioso Conservatorio de Ginebra, Suiza.
Inició su carrera solista bajo la batuta de directores como Claudio Abbado, Eliahu Inbal, Peter Maag y Giuseppe Sinopoli y ha tocado en las salas de concierto más prestigiosas del mundo. Trabajó con directores como Umberto Benedetti Michelangeli, Daniele Gatti, Andrea Marcon, Christoph Hogwood, Trevor Pinnok, Franz Brüggen, Ivor Bolton, Richard Egarr, Giovanni Antonini y Ottavio Dantone.
Fue muy destacado su trabajo conjunto con I Virtuosi di Roma durante los años 70 y también con orquestas como Orchestra da camera di Mantova, Sonatori della gioiosa Marca, Orchestra Barocca di Venezia, Orchestra Mozart, Orchestre des Champs Elysées, Kammerorchester Basel, Il Giardino Armonico, Zürich Chamber Orchestra, Academy of Ancient Music, Orchestre de Chambre de Paris, Concerto Köln y Accademia Bizantina.
En los últimos años ha sido llamado a colaborar como director invitado en orquestas como Academy of Ancient Music, Helsingborg Symphony Orchestra, Orchestre de Chambre de Paris y más recientemente por la Klang Verwaltung Orchestra para dirigir la sinfonía Júpiter de Mozart en Alemania.
Ha grabado para varios sellos, entre ellos, Erato, Divox Antiqua, Sony y Deutsche Grammophon GmbH, con el cual actualmente tiene contrato exclusivo. Entre las últimas grabaciones se cuentan los conciertos integrales de Mozart con Claudio Abbado y la Orchestra Mozart (2008), los conciertos para violín de Haydn con la Orchestre des Champs Elysées (2012), Vivaldi con moto con la Accademia Bizantina dirigida por Ottavio Dantone (2013), Bach Violin Concertos con Concerto Köln (2015) y Vivaldi Concerti per due violini con Amandine Beyer y el Ensemble Gli Incogniti (HM 2016). Los dos últimos álbumes fueron premiados con el Diapason d'Or.
Recientemente grabó el disco Giardini, J. Ch. Bach - Concerti per violino e orchestra (Amadeus, 2016) con el joven ensamble Accademia dell' Annunciata, dirigido por Riccardo Doni, el cual recibió el Premio de Magazine Amadeus en 2017. Su último álbum J. S. Bach: Sonatas & Partitas BWV 1001-1006 (Deutsche Grammophon) fue lanzado en octubre de 2018.
Ha dictado cursos en la Accademia Musicale Chigiana de Siena y en la Hochschule de Lucerna. Le fueron otorgados los títulos “Academician of the Royal Philharmonic Academy of Bologna” y “Academician of Santa Cecilia”.
 Las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
PROGRAMA
VIVALDI: Sinfonía en do mayor para cuerdas y bajo continuo de "L'Olimpiade", RV 725
GALUPPI: Concierto a cuatro en re mayor para cuerdas y bajo continuo
MARCELLO: Sinfonía en sol mayor para cuerdas y bajo continuo
VIVALDI: Concierto para violín, cuerdas y bajo continuo en fa mayor "Per la solennitá di San Lorenzo", RV 286 

01 abril 2019

Sinfónica de Londres y Sir Simon Rattle llegan en mayo

© LSO (Ranald Mackechnie) 

Como se anunció el año pasado, la centenaria Orquesta Sinfónica de Londres LSO junto a su nuevo director titular, Sir Simon Rattle, vendrán por primera vez a Sudamérica para ofrecer una gira de conciertos y llegarán por primera vez a Lima para presentar un programa con grandes obras de Benjamin Britten y Gustav Mahler. 

 La cita es el 14 de mayo en el Gran Teatro Nacional y las entradas ya están a la venta en Teleticket.







14 marzo 2019

La Pasión según San Mateo

52598289_2163327620411563_5423285389689356288_n
La Orquesta Sinfónica Nacional, junto al Coro Nacional, Coro Nacional de Niños y solistas, dirigidos por el canadiense Julian Kuerti, interpretarán La Pasión según San Mateo, obra sinfónica cumbre de Johann Sebastian Bach. Como su nombre refiere, es una obra religiosa que narra la pasión de Jesús, desde el punto de vista del apóstol. La composición, de casi tres horas de duración, contiene pasajes de absoluta belleza y con el gran estilo del famoso compositor, quien era reconocido como un ferviente devoto religioso y dedicó varias obras sinfónicas a estos temas, siendo La Pasión según San Mateo quizá la mas importante de estas.
La puesta en escena incluye subtitulaje y visuales.
La monumental obra se presentará en el Gran Teatro Nacional el viernes 22 de marzo.
52598289_2163327620411563_5423285389689356288_n (1)

28 febrero 2019

Sinfónica Juvenil presenta la Quinta de Mahler


La Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, con Pablo Sabat en la dirección artística y su grupo de instructores, ha venido ampliando su repertorio y hoy por hoy es quizá el elenco orquestal mas eficiente del país. De los pocos músicos que podían tocar obras clásicas hace algunos años, se ha ampliado la terna y han incursionado en repertorio demandante romántico y del siglo XX, llegando a la vanguardia. Constantes con este camino, la OSNJB presentará el 11 de abril la muy compleja y demandante Sinfonía No. 5 de Gustav Mahler, obra cumbre del post romanticismo que implica un gran volumen y maestría orquestal. Esta obra, de hora y media de duración, incluye pasajes de todo tipo y para cada grupo instrumental, siendo el Adagietto, el cuarto movimiento de la obra, la pieza mas popular fuera de los escenarios.

11 noviembre 2018

“Alzira”, producción de alto nivel

GTN

Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)

Calificación: 4/5 ⭐️⭐️⭐️⭐️
Antes del estreno de “Alzira”, un joven Giuseppe Verdi le escribe a su mecenas Andrea Maffei, diciendo que no espera mucho de su nueva ópera (estrenada en Nápoles en 1845). Incluso se refirió alguna vez a esta como “verdaderamente fea”. Y es que “Alzira”, junto a su segunda ópera, la comedia “Un giorno di regno” son las obras menos representadas de este desde sus estrenos. Tuvo pocas funciones en Nápoles y sólo una en Roma y Milán, pasando al olvido rápidamente hasta que, en el siglo XX y XXI, de manera eventual se ha montado en versión de concierto o escenificada, como rareza, y especialmente para conmemorar o celebrar a Verdi en 2001 y 2013.
Sin embargo, considerar mala a “Alzira”, en sí, sería un despropósito. Fue escrita nada menos que por Giuseppe Verdi, el compositor italiano mas importante de la segunda mitad del siglo XIX; el libreto se lo encargó a Salvatore Cammarano, uno de los grandes y marcó la primera colaboración entre ambos genios; La obra en la que basaron la ópera era del gran Voltaire, “Alzire ou les Americains”, y los teatros en que fue estrenada eran los mas grandes de Europa, con un público que exigía lo mejor de artistas de grandes ligas.
“Alzira” fue escrita por Verdi, como el mismo dijo, “de forma muy rápida y sin mayor esfuerzo” y durante su “época de galeras”, en la cual escribía por encargo de los teatros y en la cual, si bien tuvo grandes éxitos, sus obras en sí son muy parecidas, sin mayor profundidad dramática y basadas en el éxito comercial (salvo grandes excepciones como "Ernani" o "Macbeth"). Y es que Verdi, recién después del éxito de su famosa trilogía y su consagración internacional, recién se tomaba el tiempo para refinar sus obras y no las estrenaba hasta no revisarlas por completo. Es por eso que, a partir de la trilogía en adelante, solo encontramos obras maestras.
Encontrar en el compositor mas popular y representado del mundo una historia que se refiera al Perú y la época de la Conquista, (aunque el lugar no haya sido lo que importe tanto a Verdi, mas que la historia épica entre conquistadores y oprimidos, junto a un triángulo amoroso donde la venganza se hace presente) resulta atractivo para nuestro público. Por lo que, en un plan rumbo al Bicentenario de la Independencia del Perú, los elencos del Ministerio de Cultura deciden rescatar esta obra y ponerla en escena, al menos un siglo después de su estreno por estas latitudes, y casi veinte años después de una versión que Prolírica subió, en forma de concierto, a escena.
En siete años, las producciones del Ministerio de Cultura pueden calificarse de exitosas, por un cuidado en la puesta en escena, buen gusto en la concepción de cada producción, selección de elencos internacionales de calidad y oportunidad al elenco nacional para desarrollarse. Con esta producción de “Alzira”, el nivel se ve acrecentado con un grupo de profesionales en su mayoría locales.
La dirección escénica corresponde a Jean Pierre Gamarra, nuestro talento mas destacado en el rubro, no solo por la experiencia internacional adquirida, sino por el buen gusto y profundo conocimiento de la escena. Su “Alzira” no es una predecible puesta “tradicional” y llena de luces o color folklórico. Mas bien, se escogió llevar la escena a inicios del siglo XX, con vestuarios sofisticados, en que los “indios” (o mejor dicho peruanos originarios) son campesinos con vestimenta occidental, y los españoles invasores visten casi de la misma manera. El escenario es siempre minimalista y oscuro a los cuatro costados, solo iluminado por luces fluorescentes sobre los intérpretes. Esto da una sensación de tragedia, confinamiento y claustrofobia, adecuada a la tragedia de Alzira, Zamoro y los oprimidos, versus la locura y desenfreno de los invasores, encabezados por Guzmano. Las referencias al abuso sistemático de la iglesia (vemos al sacerdote Obando quién ha violado a una indígena, y siendo celebrado por los demás), o la violencia como se trata a los oprimidos, le dan mucha actualidad a la obra. Gamarra decide incluir, entre el Prólogo y el Primer acto, un pasaje en audio con declaraciones de campesinos oprimidos durante la época del terrorismo, dando a entender o destacar la importancia de reivindicar estos casos. Sin embargo, durante la obra no vemos mayor profundización sobre estos temas, mas allá de lo estilístico. ¿Inclusión adecuada? No. Se pudo haber hecho alguna exposición audiovisual en el foyer, o quizá durante el intermedio, antes de irrumpir la música de Verdi con estos audios dentro de la misma ópera.
La sorpresa de este elenco lo marca que el 95% son artistas locales, salvo la inclusión de la soprano argentina Jaquelina Livieri (dada la cancelación a último momento de la soprano peruana Ximena Agurto) como la protagonista Alzira, la dirección musical del español Oliver Díaz y el vestuario y escenografía del belga Lorenzo Albani, el cual presenta una escenografía y vestuarios impecables, de calidad internacional.
El reparto es muy adecuadamente cuidado. La inclusión del tenor ligero peruano Juan Antonio de Dompablo resulta perfecta. Su voz se ajusta perfectamente al rol, y aunque no es la voz lírica típica y de bravura que se encuentra en los tenores verdianos de esta época, demuestra en la escena una brillantez y claridad de la voz, siendo un Zamoro viril y contundente. Jaquelina Livieri, figura que se ha abierto paso en grandes teatros como el Colón de Buenos Aires, demuestra una bella voz ligera, con una coloratura precisa y presencia portentosa. Si bien Alzira es una heroína bastante discreta, Livieri le da un porte de mayor personalidad. La sorpresa para mí fue la del barítono peruano Jorge Tello, interpretando al villano Guzmano. Demostró gran destreza y experiencia escénica, y una voz muy elocuente, bello timbre y correcto uso de la paleta verdiana, siendo sus escenas un deleite. Si la ópera no se llamara Alzira, debería llamarse Guzmano, pues este personaje no solo canta grandes escenas, sino que es el tiro de gracia de la historia, quien deja de ser malo para perdonar a sus enemigos, de una manera bastante mas prematura que otras grandes creaciones de Verdi en esa cuerda, como Boccanegra, Nabucco, Posa, entre otros.
Los breves roles de Alvaro (Xavier Fermández), y (Ataliba (Carlos Fernández) fueron cantados con oficio, y de una manera mucho mas modesta los de Zuma (Rosa Parodi), Ovando (Manuel Rodríguez) y Otumbo (Juan Pablo Marcos). El Coro Nacional, dirigido por Javier Súnico cumple con su rol, en una obra, en que, a diferencia de otras grandes óperas corales de Verdi, este tiene menos relevancia que los solistas.
El español Oliver Díaz dirige con excelente oficio a la Orquesta Sinfónica Nacional, y sacando de ella matices interesantes, tiempos y colores que enaltecieron la mediocre orquestación verdiana. Comparando con las pocas grabaciones disponibles, podríamos decir que esta versión de Díaz tiene un interés especial y aporta al drama y a las carencias de la obra.
Un montaje digno de verse en otros escenarios es esta producción de “Alzira”, la cual será la primera co-producción internacional de una ópera hecha en el Perú, por peruanos, que llegará en el 2020 a ponerse en escena en el Teatro ABAO Olbe de Bilbao (España) y la Ópera Royal de Wallonie-Liège de Bélgica. Por fin, el Gran Teatro Nacional ingresa por derecho propio al circuito internacional de la ópera con un titulo, además de cercano y propio, de atractivo internacional.
"Alzira" tendrá cuatro funciones más en el Gran Teatro Nacional de Lima el 11, 13, 16, y 18 de noviembre del 2018.